Pour les artistes contemporains, le trompe-l'œil est bien plus que tromper l'œil

Dans son Histoire naturelle, Pline l'Ancien a enregistré un concours d'adresse entre deux artistes. Selon l'œuvre ancienne, Zeuxis peignait des raisins de manière si réaliste que les oiseaux tentaient de les arracher de la vigne, mais lorsqu'il essaya d'écarter le rideau cachant l'œuvre de son concurrent Parrhasius, il découvrit que le rideau lui-même était le tableau : Zeuxis a peut-être trompé les oiseaux, mais Parrahasius avait trompé son prochain.

Cette illusion picturale est connue sous le nom de trompe-l'œil, son objectif « de tromper l'œil à travers diverses techniques picturales et effets optiques qui permettent une distraction visuelle à laquelle le spectateur participe activement », a expliqué María Eugenia Alonso, commissaire technique de « Hyperréaliste : l'art du trompe-l'œil », présenté l'année dernière au Musée national Thyssen-Bornemisza de Madrid. Cette technique permet au spectateur de vivre une série d’expériences, dit-elle : « de la tromperie initiale à la découverte finale qu’il a été trompé ».

Les artistes de la Renaissance qui connaissaient leur Pline ont imité cette technique, mais c'est dans la Hollande du XVIIe siècle que le trompe-l'œil est devenu un genre pictural indépendant qui continuera à être cultivé jusqu'au XIXe siècle. Bien qu’il soit ensuite tombé en disgrâce en Europe, il a été relancé au même siècle par des artistes nord-américains et continue d’être utilisé par des artistes avec des effets variés au XXIe siècle.

Nous aimons peut-être penser que nous ne sommes pas aussi facilement dupes que les Grecs de l’Antiquité, mais à l’ère des œuvres d’art créées par l’IA et des contrefaçons profondes, ce n’est pas nécessairement le cas. En effet, les artistes qui travaillent aujourd'hui avec le trompe-l'œil ne cherchent peut-être pas délibérément à nous confondre, mais plutôt à nous inciter à regarder attentivement le monde qui nous entoure et à remettre en question ce que nous voyons.

Le peintre Daiya Yamamoto associe l'héritage des maîtres flamands à la pureté de l'esthétique japonaise pour créer des œuvres exquises et minimalistes. Dans une récente exposition personnelle à la Galerie Taménaga, ses œuvres photoréalistes se sont souvent concentrées sur des sujets qui ne sont pas considérés comme conventionnellement attrayants : un outil de jardinage ou des fleurs en bouton plutôt qu'en pleine floraison, par exemple. Peint comme scotché à la toile ou suspendu à une fine ficelle, le résultat est sublime.

Dans mt masking tape (2020), Yamamoto réussit même à transformer des bandes de masking tape à l’eau de nil en une œuvre d’une étonnante beauté méditative. L'espace autour du sujet est toujours une partie vitale de la composition, permettant de contempler les objets qu'il a rendus avec des détails si remarquables et nous encourageant à remettre en question nos idées préconçues sur ce qui est ou non digne d'admiration.

Le ruban adhésif est également présent dans l'œuvre du peintre allemand Jochen Mühlenbrink : du ruban adhésif marron et brillant. Dans un jeu sur la tradition du XVIIe siècle consistant à représenter de manière réaliste le dos du tableau, Mühlenbrink peint son ruban adhésif retenant ensemble des feuilles de papier bulle, qui semblent enroulées autour d'une toile. Ailleurs, il est disposé selon des motifs abstraits aléatoires.

Dans des œuvres comme WP (2023), qui fait partie d'une récente exposition personnelle à Gether Contemporary, Mühlenbrink transforme la toile en une fenêtre embuée, complétée par des graffitis dessinés au doigt ; les gouttes qui en résultent semblent traverser le verre embué lorsqu'elles glissent le long de la vitre. Ils sont si incroyablement réalistes que même les collègues et les galeristes de l'artiste ont été trompés, mais la simple tromperie n'est pas son objectif, a-t-il déclaré à Artsy : c'est la distance entre la peinture et le spectateur qui permet de suspendre ses croyances et qui le fascine.

« Selon l'échelle, vous avez une distance spécifique lorsque le tableau dit « stop ». Lorsque vous vous approchez, vous commencez en quelque sorte à regarder dans les coulisses, vous êtes attiré par les détails, mais vous ne pouvez plus voir la composition dans votre champ de vision », a déclaré Mühlenbrink, soulignant que pour apprécier pleinement la magie de ses œuvres, ils ont dû à voir en personne.

S'étant toujours considérée comme une peintre de natures mortes, Josephine Halvorson a déclaré que le trompe-l'œil avait fini par la « trouver ». « En tant que personne peignant d’après nature, mon ambition a toujours été de retranscrire l’expérience d’être là et là dans une peinture », a-t-elle déclaré. Le travail de Halvorson comprend une série de fenêtres et de portes créées à la même échelle que l'architecture de la Villa Médicis, où elle a participé à une résidence à l'Académie française.